DESAFIO 6

Disponível em: <https://www.google.com/url?sa=i&source=images&cd=&ved=2ahUKEwiR_YG4yNbkAhWJILkGHfU5AJIQjRx6BAgBEAQ&url=http%3A%2F%2Fwww.historiadasartes.com%2F&psig=AOvVaw10T-VPoc8OVBWrtdF8806J&ust=1568765321550424>. Acesso em: 16 Set. 2019.

BLOGQUEST

A  FANTÁSTICA  HISTÓRIA DA ARTE 

DESAFIO 6

Bem Vindo ao nosso último desafio. Estou muito feliz que você tenha chagado com exito ate aqui, espero grandemente que tenha gostado dessa nossa viagem cultural por dentro da História da Arte, mesmo que breve na encantadora viagem!

Arte do Século XX

Expressionismo

Esse movimento esteve em oposição ao Impressionismo e focou mais nas sensações que a arte proporcionava. Ele mostrou os sentimentos humanos e suas preocupações no início do século XX. Esse movimento ora fora esquecido, ora lembrado no decorrer do século por causa das sensações que o mesmo proporcionava.

Ele surgiu na Alemanha, em Dresden, entre 1904 e 1905. Seus participantes foram Ernest Ludwig Kichner (1880-1938), Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976) e Erich Heckel (1883-1970), juntos formavam o grupo chamado Die Brüche na tradução, significa A Ponte.

Disponível em:<http://historia-da-arte.info/images/Imagens/obras-arte-expressionismo.jpg>. Acessoe em: 24 Out.2019.

Suas características são:

• Representação dos sentimentos humanos através de linhas e cores. Algo que já vinha sendo trabalhado por Van Gogh, em que cor e deformação mostravam o interior do homem moderno;
• Deformação da realidade;
• Pessimismo em relação ao mundo;
• Fuga das regras tradicionais da arte;
• Melancolia.

Edvard Munch (1863-1944) - sua obra mais destacada foi 'O grito', por causa da expressão das linhas, cores e seres que mostravam as angústias do homem moderno; Outra obra é 'Cinco Mulheres na Rua', em que retratava como era a burguesia.

Fauvismo ou Fovismo

Esse movimento surgiu em 1905, em Paris e foi fruto de uma crítica no Salão de Outono, por Louis Vauxcelles. Jovens foram chamados de fauve, que significa feras, pelas suas pinturas agressivas com cores puras.

• Formas simplificadas;
• Utilização de cores puras (tal como são nos tubos de tinta);
• As pinturas não representam a realidade (cores e figuras são sugestão dos artistas).

Artistas do Fauvismo

• André Derain (1880-1954);
• Othon Friesz (1879 – 1949);
• Maurice de Vlaminch (1876 – 1958);
• Henri Matisse (1869-1954) – ele foi uma das maiores expressões do estilo e procurou mostrar as formas das figuras, sem se preocupar com a realidade e as cores. Um exemplo é a obra 'Natureza-morta com Peixes Vermelhos' (1911). A composição era organizada de acordo com as cores puras e algumas figuras da obra.

Apesar disso, muitos autores fauvistas não foram aceitos ao apresentarem suas obras.

Cubismo

Disponível em:<http://historia-da-arte.info/images/Imagens/arte-abstrata-cubismo.jpg>. Acesso em:24 Out.2019.

O cubismo surgiu de uma obra feita por Cézanne, que retratava a natureza com figuras geométricas. Outros artistas do estilo se aprofundaram e buscaram mostrar os objetos como se estivessem abertos. Assim, ele evoluiu para dois tipos: o Cubismo analítico e o Cubismo sintético.

Cubismo Analítico (1908-1911) – desenvolvida por Picasso e Braque:

• Seu estilo era a utilização de poucas cores;
• Definição de um tema apresentado em todos os ângulos;
• Perda da realidade, sendo impossível reconhecer as figuras.

Cubismo Sintético – fugia dessa perda de realidade, mas ainda buscava retratá-la de várias formas. Foi chamado, também, de colagem, porque eles colocavam tudo o que podiam, como letras, números, vidros, etc., com o intuito de criar novos efeitos e despertar a atenção.

Principais Artístas do Cubismo

Pablo Picasso(1881-1973) – ele era um gravador e escultor e introduziu várias técnicas ao estilo:

- na fase azul(1901-1904) retratou tristeza e melancolia;

- na fase rosa(1905-1907) retratou acrobatas e arlequins.

Outra técnica advinda da arte africana foi a elaboração da estética cubista. Ele deformava todas as partes do corpo humano e destruia a harmonia das formas. Retratou isso em sua obra Les Demoiselles d'Avignon. Ele começou a retratar obras sobre a realidade dos conflitos e guerras, em seu famoso mural, Guernica (1937). Por último, em suas gravuras, de 1907 a 1972, suas obras gravadas eram expressivas com o desenho, opondo claro e escuro.

• Georges Braque (1882-1963) – para ele, a pintura não era uma descrição da realidade. Ele passou pela fase do Cubismo analítico, sendo destaque a obra 'O Português'. E, após 1913, passou a representar os objetos pelo Cubismo sintético, destacando as partes significativas da obra.
• Fernand Léger (1881-1995) – representava um novo cubismo: para ele, as máquinas e o crescimento industrial, do final do século, eram tão importantes quanto uma escultura. Com isso, um novo mundo pode ser construído. Uma obra que enfatiza isso é 'Elementos Mecânicos' e o 'Tipógrafo'. Em 1925, com seu contrato com o arquiteto Le Corbusier, descobre a importância dos murais e procura superar a diferença entre uma obra e um desenho industrial.

Características do Cubismo

• Utilização de formas geométricas nas obras;
• Falta de perspectiva (três dimensões dos seres);
• Estética cubista (destruição da harmonia e decomposição da realidade).

 Abstracionismo

Disponível em:<http://historia-da-arte.info/images/Imagens/abstracionismo.jpg>. Acesso em: 24 Out.2019.

Surgiu de uma tela de Wassily Kandinsky (1866-1944), chamada Batalha. Na pintura, abstracionista não há relação entre a realidade, cores e formas. Conhecem essa técnica os pintores Mikhail Larionov (1881-1964) e Natália Gontcharova (1881-1962), russos que valorizavam a relação com as cores, mas não com o tema da obra.

Já em 1912, Vladimir Tatlin (1885-1956), em viagem a Paris, gostou das colagens cubistas e resolveu implantar no novo estilo: pintura em relevo com vários materiais e figuras abstratas, dando origem ao Construtivismo. Os escultores Antoine Pevsner (1886-1962) e Naum Gabo (1890-1977), juntamente com Tatlin, criaram várias peças abstratas, dando-lhes o nome de construções ao invés de esculturas.

A Revolução Russa, em 1922, acabou com o construtivismo. Tatlin se ligou a ela, Gabo e Pevsner deixaram o país, quando o governo revolucionário fechou 

os ateliês dos artistas. Mas, logo depois, em 1931, eles dão origem ao movimento chamado Criação Abstrata. A partir das primeiras pesquisas, logo começou a fazer parte da pintura moderna, e duas tendências surgiram em seguida:

• Abstracionismo sensível ou informal – predominam os sentimentos e emoções e as cores são associadas com elementos da natureza. Por exemplo, a obra Domingo, de Kandinsky.
• Abstracionismo Geométrico – cores e formas são organizadas de acordo com as composições geométricas. Por exemplo, as obras de Piet Mondrian: ele buscava a essência dos objetos que se harmonizam com o universo. Retratada em 'Árvore Vermelha'.
• A partir das décadas de 20 e 30, linhas diagonais e curvas foram trocada por horizontais e verticais que, juntamente às cores, trouxeram equilíbrio às obras.

Em busca de outras tendências da pintura do século XX, se destacaram, novos estilos que caracterizaram as primeiras décadas do século XXI. Valorizavam a velocidade das máquinas e do cotidiano e as tendências produzidas pela cultura industrializada.

Futurismo

O futurismo é um estilo influenciado pelo movimento literário Manifesto Furista, criado por Filippo Tommaso Marinetti, em 1909. Ele era um poeta e escritor italiano que sugeriu às pinturas a velocidade das máquinas e a exaltação do futuro. Para os pintores desse estilo, os artistas não tinham essa visão de futuro. Com outro manifesto, criado por Umberto Boccioni, Luigi Russolo, Carlo Carrà, Giacomo Balla e Gino Severini, em 1910, Milão, nas obras eram representadas os movimentos em si. Usaram cores, retas, curvas que dessem ideia de velocidade. Ex.: peça em bronze 'Formas Únicas de Continuidade no Espaço', do escultor Umberto Boccioni.

Os estudos de Freud sobre psicanalismo e a política mostravam a complexidade da sociedade moderna. Em crítica à cultura europeia, surgiram:

Pintura Metafísica – uma pintura que mostrava a falta de sentido da sociedade contemporânea: mistério, luzes, objetos, sombras e cores intrigantes. Tinha como principal artista, Giorgio De Chirico (1888-1979), um pintor italiano, com suas obras 'O Enigma da Chegada' e 'O Regresso do Poeta'.

Dadaísmo

Artistas e intelectuais franceses e alemães se reuniram em oposição à Primeira Guerra. Foram para Zurique, na Suíça, e em 1916, criaram o Dada, cujo significado é cavalo de pau, palavra encontrada por Hugo Ball e Tristan Tzara num dicionário alemão-francês. Assim como o nome, a arte não significava nada, da mesma forma que a guerra.

Características do Dadaísmo

• Elementos fugiam do racional e eram combinados por acaso;
• Os artistas negavam a sua cultura e representavam um protesto;
• Obras utilizavam a colagem para retratar o estilo, com críticas e sátiras à desordem da Europa;
• Eles utilizavam o princípio do automatismo psicológico, proposto por Freud, em que “os atos praticados pelos homens são automáticos e independentes de um encadeamento de razões lógicas.”

Isso deu origem ao Surrealismo, do escritor e poeta André Breton (1896-1966), na França, em 1924. Nesse novo estilo, as obras eram representações ilógicas do subconsciente, como imagens vistas em sonhos ou alucinações. Às vezes, representavam aspectos da realidade em excesso, com elementos inexistentes. Um dos principais artistas desse estilo é Salvador Dali (1904-1989).

Essa pintura deu origem às duas tendências: Figurativa, com os artistas, Salvador Dali e Marc Chagall e abstrata, com Joan Miró e Max Ernest.

Nos grandes centros urbanos industrializados, com a recuperação da Segunda Guerra, a indústria estava a todo o vapor. O consumismo começou a fazer parte da sociedade no início da segunda metade do século XX. Veja as expressões que mais se destacaram:

Op Art

Expressão do inglês, optical art, que significa arte óptica. Victor Vasarelyn é o responsável por iniciar essa arte através da plástica do movimento. As pinturas possuem representações de figuras geométricas e cores, preto e branco ou coloridas. Toda a obra sugeria o movimento e era uma arte que estava em constante mudança.

Suas pesquisas se desenvolveram na década de 60, cuja manifestação para exposição coletiva se deu no Museu de Arte Moderna de Nova York, em 1965. Outro artista importante é Alexander Calder (1898-1976), na criação de móbiles associando-os aos retângulos das telas de Mondrian sugerindo movimento.

Chamada de Mobile em Dois Planos, de início o observador podia movimentá-los; depois de 1932, ele verificou que a simples ação do vento podia fazer isso.

Pop Art

Pop Art, no português, significa arte popular, surgiu nos Estados Unidos, por volta de 1960 e atingiu vários lugares do mundo.

Os artistas retratavam o dia a dia das grandes cidades norte-americanas, relacionando a arte com a vida comum. O tema dessa arte eram símbolos da grande massa consumidora e da era industrializada, ou seja, aquilo que fazia sucesso.

Destaque

Disponível em:<http://historia-da-arte.info/images/Imagens/pop-art.jpg> Acesso em: 24 Out.2019.

Marilyn Monroe, uma ilustração feita por Andy Warhol, com o método de produção em série de cores e repetição de imagens.

Arte Popular

Arte Popular é a atribuição que se dá a produções artísticas (pintura, literatura, escultura, etc.) com relevante valor, de pessoas que nunca se especializaram em arte, de fato, frequentando escolas e etc. Basicamente, é a arte do povo, sendo o Brasil, um dos principais celeiros de inúmeros artistas criativos da história do país. A cultura popular é a principal raíz dessa arte.

O artista popular dedica seu tempo livre, sua folga do trabalho para criar sua arte. Muitas vezes de maneira solitária, em alguns casos com ajuda da família. De maneira geral, não consegue sobreviver e sustentar família somente dos trabalhos artísticos realizados. Os principais compradores e revendedores da arte popular são feiras e mercados.

Uma escultura, por exemplo, pode ser utilizada na igreja (culto católico aos santos), como item de decoração em casas ou até para brincadeiras infantis.

Disponível em:<http://historia-da-arte.info/images/Imagens/arte-popular1.jpg>. Acesso em: 24 Out.2019.

Arte Popular e Arte Erudita

Para ficar mais evidente a diferença entre arte popular e arte erudita, é fundamental traçarmos algumas pontuais diferenças.

A arte popular é a arte da intuição, aquela em que o artista exerce seu ofício sem ter frequentado escolas de artes para esse fim. Apesar disso, suas obras são de altíssimo reconhecimento estético e artístico.

Os artistas se inspiram em sua regionalidade, crenças, lendas e costumes típicos de sua cultura. Seu humilde cotidiano e as dificuldades do dia-a-dia são refletidas na obra. Um artista brasileiro muito conhecido por ser intensamente influenciado pela arte popular é Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho.

Já a arte erudita é oriunda de artistas com aprimorado conhecimento técnico, de elevada exigência estética, que criam obras de valor universal, e acabam marcando época com suas inovações, além de proporcionar ao espectador intensa reflexão e questionamento a respeito da obra. Um exemplo de arte erudita é famoso quadro “Monalisa” de Leonardo da Vinci.

Principais Artistas no Brasil

• Ciro Fernandes (Paraíba, 1942);
• Aberaldo Santos (Alagoas, 1960);
• Gerson de Souza (Pernambuco, 1926);
• Heitor dos Prazeres (Rio de Janeiro, 1898);
• Cizin (Ceará, 1980).

Arte Brasileira

A arte brasileira surgiu da mistura de outros estilos e se inicia desde o período da Pré-História há mais de 5 mil anos, até a arte primitiva. Ela também foi influenciada pelo estilo artístico de outras sociedades.

Dentre elas, temos a arte da Pré-História brasileira, com vários sítios arqueológicos espalhados pelo território e tombados pelo IPHAN (Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional). Outra a ser citada é a arte indígena, na época do descobrimento do Brasil, quando no início, havia cerca de 5 milhões de índios. Atualmente, esse número foi reduzido, assim como parte de sua cultura.

Outra arte brasileira a ser citada é a do Período Colonial. O Brasil transformou-se em colônia de Portugal, depois da chegada de Cabral e eram feitas construções simples, como as feitorias, várias vilas, engenhos de açúcar como representação da arte. Após a divisão do 

Disponível em:<http://historia-da-arte.info/images/Imagens/desenho-mulher-brasileira.jpg>. Acesso em: 24Out.2019.

Brasil em capitanias hereditárias, foi necessária a construção de casas para os colonizadores.Na invasão dos holandeses que ficaram no nordeste do Brasil por quase 25 anos, no início de 1624, se instalou uma cultura vinda dos povos holandeses. Apesar dos portugueses terem defendido o Brasil de invasores, estes ainda conseguiram instalar-se. Artistas e cientistas vieram para o Recife, trazendo a cultura holandesa.

Outro estilo que surgiu foi o Barroco, ligado ao catolicismo. A influência da Missão Artística Francesa, no início do século XIX, quando a família real veio ao Brasil foi intensa. A população começou a imitar a cultura europeia. Eram pintados retratos da família real e algumas imagens dos índios brasileiros.

A Pintura Acadêmica, também no século XIX, na arte brasileira, retrata a riqueza clássica, sendo que era refletido um padrão de beleza ideal (padrões propostos pela Academia de Belas Artes).

Já no início do século XX, presenciamos o Modernismo Brasileiro, marcado inicialmente pela Semana de Arte Moderna. E, antes disso, o Expressionismo já começa a chegar ao Brasil e fazer história com Lasar Segall (1891-1957) que contribui para o Modernismo.

Após a Semana de Arte Moderna, vários artistas começaram a desenvolver um estilo próprio de pintura, sendo a arte mais valorizada no país.

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Disponível em:<https://i.pinimg.com/originals/b6/e0/fe/b6e0feb39273801e2bc3e322d7dd6cc6.png>. Acesso em:25 Out.2019.

🔍Para finalizarmos essa nossa viagem Faça uma lista dos  grandes pintores brasileiros da Semana da Arte Moderna em 1922, e registre essa descoberta no espaço destinado aos comentários!📝

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